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论文在线分享-从荣格无意识理论探究郭海平南京精神病院艺术实验
时间:2021-04-15 12:27:13

  笔者从瑞士心理学家卡尔.荣格的原型理论、集体无意识理论、个体无意识(情结)理论多个角度分析它们对郭海平三个月的南京精神病院艺术实验中精神病患者们的艺术体验、艺术构思与艺术表现环节——即生产过程的影响,赏析精神病患者作品并研究其美术语言,证明荣格集体无意识与个体无意识理论在精神病患艺术活动过程中产生了重要作用,并论证集体无意识与个体无意识存在于每个个体潜意识深层这一观点。同时,笔者通过精神病患作品在社会传播中收到正面评价这一现象评价精神病患者作品的艺术价值,论证集体无意识理论会影响接受者的接受过程这一观点,并结合国外精神病患绘画案例,得出精神病患艺术作品可以为当今艺术家对纯粹自我的艺术追求过程提供新的思考方向,具有借鉴意义的结论。

  一无意识的艺术创作

  第一节生产过程

  第二节1.1阿赖耶识与原型——艺术之种

  “一切众生阿赖耶识本来而有,圆满清净,出过于世,同于涅槃。”──《大乘密严经》卷2。在佛法中,最要的根本识是不生不灭的阿赖耶识,它是万法生起的根本,没有阿赖耶识,人将不能成长,也不能成为性格、观念异于他人的独立个体。举个例子来说,没有“阿赖耶识”的婴儿由于无法学习,将会永远保持刚出生时的愚痴无智而不能做出任何成就。并且,众生在世间之各种活动,造作后即由第七末那识的执着性功能送交第八识——阿赖耶识保存,这说明了阿赖耶识是对人类活动历史继承的结果,并且具有代代传承的功能。

  在荣格心理学理论体系中,集体无意识理论的基础——原型理论与佛教的阿赖耶识理论奇妙的有着许多相似之处。在荣格看来,原型是集体无意识的内容,原型的存在与个人从后天环境中获得的经验无关,它在个体的一生中甚至都有可能不会被个体意识到它的存在。个人将通过遗传的形式从各自的祖先那里继承“原型”,但这里的继承并不是指个体有能力直接自主回想或者说在脑海中获得的祖先曾拥有过的那些体验,而是说,它们构成了一种先天的决策倾向或潜在的行为可能性,即某个体可以采用与自己的祖先们相同的途径来把握世界规律和对外界刺激作出反应。

  将这一理论运用于艺术方面,即人的审美方面,可以理解为个人的审美逻辑并非空中楼阁一般没有根基,它甚至先于个体的社会体验,以遗传的形式潜在的存在于个体意识之中,成为一种潜在的社会共识,一种集体无意识。人对于美的感受,在人感受到美之前,就已经存在了。

  1.2集体无意识影响下的精神病人——从环境决定论到遗传与进化论站上艺术舞台

  绘画艺术从14世纪文艺复兴开始蓬勃发展,画家们往往在社会上以服务于上层社会审美需求的固定群体的面貌出现,并有一套独有的系统的学院体系与前后师承关系,换言之,在中西方画坛发展的较长时间内,绘画艺术的发展主要依靠绘画者后天的学习,无论这些画家的作品是否受到当时社会审美认可,能够产生一定社会影响并流传后世的作品都以绘画体系内部画家的作品为主。

  然而,如果从荣格集体无意识理论角度分析,就会发现在这种绘画特殊群体化的环境下,有一批同样具有审美价值的绘画作品几乎从未出现在我们视野中,那就是那些从未加入绘画体系并进行自主创作的人的作品。

  荣格认为,在人类内心的最深处存在着一个超越所有文化和意识的共同内核,这一内核就是集体无意识,集体无意识对于个体而言,是存在于个体直接审美经验之前的一种潜在的审美本能,它几乎与人类同时出现,并且包括了人类社会出现开始的所有人类生理上的进化内容与审美经验。

  在郭海平的南京精神病院艺术实验中,我们可以从病人张玉宝的一张叫《怒吼》的画中看到集体无意识的存在。根据郭海平的记录,这张作品中出现了让他十分意外的一个现象,那就是张玉宝为了体现怒吼这一主题,他在画中使用了明度极高的桔红、黄、大红色,又在画面正中央使用了一个偏深的绿色。这一点证明了他在使用了调色板中最鲜艳、亮眼的颜色后,仍然认为这些颜色不足以产生强烈的画面效果,从而决定采取深绿来加强与红、黄的对比效果。然而,张玉宝作为入院多年的精神分裂患者,作为从未接受过系统的艺术学习的人,他是怎样产生颜色搭配方面的能力的?此处引用郭海平的评论,他认为,很多科学家之所以在研究颜色方面的课题时往往使用梵高的色彩运用方式来论证人类心理学现象,就是因为人在不受外界因素干扰时,对色彩具有较高的敏感度。而接受过正统艺术教育的创作者们往往会按知识与经验进行配色,也就是说,他们对色彩的感觉事实上是受束缚的。

  张玉宝《怒吼》

  这既是集体无意识中产生的无意识现象在艺术方面的体现,它证明了艺术生产活动除开专业知识的培养外,还有一种更纯粹,更天真的产生基础,并且,在这种条件下产生的绘画作品除了审美价值,还具有一定的研究价值。

  1.3个体无意识(情结)影响下的精神病人——世界留下的烙印

  而在集体无意识与正统绘画体系之外,还有一种影响着绘画者进行艺术活动的内在因素——个体无意识,也可以称为情结。如果说集体无意识像是一种共有的基底,那么个体无意识就像是一个独特的容器,它包含了那些个人在进行社会实践时受到的痛苦压抑、难以发泄的苦闷等种种较为强烈的情感与经验。它们并不存在于意识表层,而只出现在这些与情感、思维相关联的情结被某些词汇触发时。

  在精神病人进行绘画活动时,能够成为他们的绘画的原动力甚至构成一部分绘画内容的,就是他们的个体无意识。

  张玉宝的另一件作品,就很明显是情结被触发的结果。他的一系列连环画都是一个只有一半的人物形象,并且头部是一个钩子的形状。根据郭海平的记录,张玉宝的病例中有一段较为特殊的记录,他在入院治疗期间自杀三次皆以失败告终,而他自杀的方式则是把自己的头和床腿、门把之类的家具用衣服绑在一起,然后通过拉扯的方式使自己窒息。因此可以推断,这一系列画作跟他的人生经历,也就是他的个体无意识有着一定的关系,并且这种关系不一定是个体有意自主自发的。

  张玉宝《带钩子的半身人》

  郭海平曾目睹张玉宝坐在这幅画作前持续发呆几个小时,经询问,张玉宝解释,他虽然画了这幅只有一半身体的人物画作,但他本人也不知道另一半究竟是什么。这一情况证明了情结作为一种存在于个体无意识中的特殊族从有着其独特的动力作用,可以在特定条件下影响个体的行为方式及思维方式。

  1.4当代主流艺术与边缘艺术的“刻意”与“无意”

  人类艺术发展到20世纪中期,波普艺术出现,艺术史正式步入后现代主义时代。这样一个主张个性抒发,鼓励自我表达的社会环境促使一批画家开始追求纯粹的,未受世俗影响过的自我,郭海平就是这批画家之一。

  《精神的形状》这幅郭海平的代表性作品就是他在南京精神病院艺术实验期间画就的。全画不着彩色,以黑白灰三色构建整个画面,画中无数蛇状的笔触由下自上蜿蜒盘旋,相互交织又互相重叠遮掩,占据整个画面的百分之九十的面积,仅留最上方一条窄窄的黑带,似有为下方扭曲的线条们构成“天空”的意味。

  郭海平《精神的形状》

  而这幅画作则是精神分裂患者妞妞在郭海平的南京原生艺工作室完成的。画中将咖啡豆的深棕色用鲜艳的蓝与橙、红与绿替代,反而将类似“桌子”、“勺子”的物件用棕色线条填充,背景则采取了明亮的粉色,并且以笔触绘制出液体般的流动感。值得一提的是,画中红、绿的咖啡豆与蓝、橙的咖啡豆呈对角线方式排列,与色环排列方式不谋而合。

  妞妞《忘忧咖啡-星期三》

  事实上,不仅是接受者的直观感受,包括郭海平本人也认为自己的画面效果甚至比真正的精神病患者要更加压抑、痛苦,这种夸大的关于痛苦的情绪表达,在某种程度上又与当代艺术家们追求的真实的内在自我相背离,难免出现一种刻意的味道。

  1.5创作主体的主宰地位

  在现今社会庞大信息高速共享,学习绘画相关知识技能几乎没有门槛的条件下,真正“无意”的画作就显得更加的罕见。

  这种无意的出现,就是创作主体在艺术活动中的主宰地位达到最大化的结果。在美术世界的艺术家——艺术机构——接受者体系中,艺术作品的审美价值和商业价值会反过来影响画家的艺术活动,不仅使艺术家在接受艺术批评后对自己的画作内容、形式、艺术语言与美术语言进行改动,还会导致艺术家在绘画时采用迎合画作收藏者们的审美趣味的艺术手法。

  但是,在郭海平南京精神病院艺术实验中的精神病患者们在进行绘画活动时,即没有对接受者的意见的顾虑,也不存在画作的商业用途,能够影响他们进行艺术创作的只有表达这一纯粹目的和内在的集体无意识和个体无意识。

  第二节接受过程

  1.1受赞誉的拖拉机——天性之下的形式美与节律快感、节律美感

  集体无意识与个体无意识在艺术活动的生产过程中会影响艺术作品的结构,也会影响接受者的接受活动,也就是看画的人对这幅作品的评价。

  为什么人会认为花是美的?引用杜建的观点,每个人在欣赏花时所把握的,正是他能把握到的“人格理想”的一种感性显现,也是他欣赏自己优质人格的一种体现。并且,这一现象不仅在人们欣赏花朵时出现,更存在于一切人类审美活动中,人格的丰富性将使人在进行审美活动时无意识的将审美对象与优质人性感性显现相匹配。这种能够被几乎全部人类共同把握到的“人格理想”的外部对应事物的出现,正是“人格理想”内部存在一致性的体现。也就是说,人类审美在某种程度上存在内部一致性,即受集体无意识影响。

  这幅画作的作者是精神分裂症患者王军,他原本是一个农民,一直到四十九岁都从曾画过画。在郭海平艺术试验中,他每次发病的时候就会独自画画,这张《拖拉机》就是他发病时绘制的作品。显而易见的是,这张拖拉机的特点在于它未知的视角,它即不是从任意视角进行表现的,又是从各个视角进行表现的拖拉机。尽管他没有学过绘画画,没有学习过艺术,但这幅作品构图完整,线条疏密排列有序,点、线、面相互错杂,色彩搭配合理,其独特的呈现视角甚至可以为绘画艺术家们提供新的思考方向。

  王军《拖拉机》

  而在这幅画身上还发生了一个十分值得研究的现象,那就是它作为主角被写入了一篇展现精神病患者作品的微信公众号文章中,并且获得了大量转发评论,评论的内容以欣赏、赞同与对其独特观察视角的褒奖为主,这是这幅作品画面结构中的形式美符合大多数接受者审美趣味的结果。

  形式美,是构成事物外形的物质材料的自然属性及他们的组合规律所呈现出的审美特性,这里的形式美特指美术作品的整体结构方面的形式美,即美术作品中色彩、线条、明暗、形体等美术语言合目的性与合规律的组合,包括平衡、对称、比例、和谐、等超越了具体形式美的形态而具有很大普遍性的基本形式法则,这些形式法则的出现,是长久以来艺术史与美学史对形式美的探讨的成果,换言之,它们是艺术工作者者们对美的标准形成的某些共识,而如今这种共识却以具象化的形式出现在了从未学过绘画的精神分裂症患者王军的作品上,并且能被大众所接受,说明这些共识一定程度上是人类内在共有的一种认识。

  更加具体的探究大众对王军《拖拉机》的认可,可以引入节律美感与节律快感这一概念。根据(补充)的观点,花朵、绘画作品等等一切作为艺术接受的对象的事物能够得到接受者认可的理由,在于该对象本身拥有节律美感,即一种由于色彩、线条、明暗等美术语言根据一定的规律与节奏排列后产生的能够带来美的感受的画面效果,而这种画面效果又能激起接受者内在的节律快感,使接受者获得美的感受。王军的作品与大众的联系,正是节律美感——节律快感之间的联系。

  第三章国外的精神病人作品

  洛娜·柯林斯是一名骑术比赛的专业骑手,在16岁的时她就取得了欧洲竞标赛的前十名的成就。然而十八岁时柯林斯从马上摔了下来,这场事故使她失去了一切记忆并引起了精神失常问题及厌食症,这使她无法表达她的感受,知道她发现可以通过绘画来表达自己。她在地上铺开一张巨大的白纸,然后开始用油漆在其上肆意挥洒。这些狂放的、模棱两可的各种动物绘画帮助她倾诉自己的情感。

  与郭海平南京精神病院艺术试验相同的是,柯林斯并没有接受专业的绘画学习。但这对于她的绘画来说并不重要,这些作品代替语言和文字地表达了她所经历的一切创伤。据她所说:“在医院里,画画能使我专注于画面从而减轻伤痛。它使我自由。”“我要做的只是拿起刷子,沾上颜料,然后让它行走。就像是我的思维中止了,而我心中的那些的内在动力让我去到了带到了我的思维去不了的高度。”

  她的艺术创作历程也是集体无意识与个体无意识结合作用的体现,同时也证明了绘画对于精神病症的正面治疗效果。在她开始绘画后,她的情绪明显好转,和医生间的交流也更加顺畅。

  第四章精神病患艺术探索的社会价值

  人是有绘画潜能的人,然而在一般人进行社会实践的过程中一定会受到艺术世界的影响,人的这一种内蕴的能力并不能完整的表现出来。而精神病人自身不主动学习,甚至拒绝学习的特点可以将这种艺术潜能发挥到极致。

  在一般人的眼中,精神病患的行为活动大多是无法理解的。然而,根据郭海平的研究,在精神病患的世界观中,正常人那样压抑自我情绪,遵守社会道德与规则的行为也是无法理解的,双方在与人类本性的距离上可以说处在了两个极端。一般人与本性差距较远,即是说精神病患的绘画可以让我们窥见集体无意识的样貌。

  在此之外,精神病患艺术探索更大的意义在于,它能够引起我们对于艺术的价值的深层思考。在人类艺术史上,艺术与经济、艺术与政治、艺术与宗教都有着错综复杂的联系,艺术作品的服务对象大多是外部存在。但是精神病患的艺术活动,是为自我、为眼见的自然、为快乐服务的,这一目的也可以为正在艺术世界中活动的艺术家们提供方向。